ORPHANS IN A SPARKLING VOID - Francesca Ricci and Kiril Bozhinov

 

Orphans in a Sparkling Void is a collection of texts and images inspired by the lives and works of writers active in the Soviet Union during the 1920s and 1930s. It is an attempt to ‘translate’ the voices of individual authors or a literary group into a tableau, from the symbolist lyric poetry of Alexander Blok to the short and satirical stories of Mikhail Zoshchenko. It is a homage to an entire generation of writers and poets forced to live and create in a tumultuous historical moment, and here represented almost as ‘comic book heroes’. Episodes from their lives and characters from their works are combined in this graphic essay to give life to a polyphony of colours and words.

Francesca Ricci, Born in Florence, where she studied Set Design at the Academy of Fine Arts. She first lived in London and, since 2019, has been based in Valencia, Spain. A multidisciplinary artist and writer, she has participated in numerous intern
ational exhibitions. Her artistic research engages with other fields of human expression, from literature and poetry to cinematic imagery and music, as well as philosophy and psychology. Her practice spans a variety of media, from drawing to traditional painting, from mixed media to video.

Kiril Bozhinov, Born in Kočani, Macedonia, he lives and works in London. He has published his experimental short stories in independent publications, as well as the short story collection Eclipses: Stories of Disappearances and Reappearances (London, 2006). He wrote and directed the theatre piece Chichikov and the Big-Nosed Devil, staged at the White Bear Theatre in London (2001). He served as an advisor for the London Film Festival on Balkan and Eastern European cinema (1994–97), was co-founder of the fanzine Life is Nothing but a Belly Dance (1993–95), and worked as a music journalist for various Eastern European magazines.

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HUÉRFANOS EN UN VACÍO DE ESTRELLAS - Francesca Ricci y Kiril Bozhinov

Huérfanos en un vacío de estrellas es una colección de textos e imágenes inspirados en las vidas y obras de escritores activos en la Unión Soviética durante las décadas de 1920 y 1930. El libro es un intento de "traducir" en un tableau las voces de autores individuales y de grupos literarios, desde la poesía lírica y simbolista de Aleksandr Blok hasta los cuentos cortos y satíricos de Mijaíl Zóschenko. Es un homenaje a toda una generación de escritores y poetas obligados a vivir y crear en un momento histórico tumultuoso, y que aqui,son representados casi como "héroes de cómic". Episodios de sus vidas y personajes de sus obras se combinan en un ensayo gráfico para crear una polifonfa de colores y palabras.

Francesca Ricci, Nacida en Florencia, donde estudió Escenografía en la Academia de Bellas Artes. Vivió primero en Londres y desde 2019 reside en Valencia, España. Artista multidisciplinar y escritora, ha participado en numerosas exposiciones a nivel internacional. Su investigación artística se relaciona con otros ámbitos de la expresividad humana, desde la literatura y la poesía, hasta la imagen cinematográfica y la música, así como la filosofía y la psicología, y su práctica abarca una variedad de medios, desde el dibujo hasta la pintura tradicional, desde la técnica mixta hasta el video.

Kiril Bozhinov, Nacido en Kočani, Macedonia, vive y trabaja en Londres. Ha publicado sus relatos experimentales en publicaciones independientes y la colección de cuentos Eclipses: Stories of Disappearances and Reappearances (Londres, 2006). Ha escrito y dirigido la obra teatral Chichikov and the Big-Nosed Devil, representada en el White Bear Theatre de Londres (2001). Fue asesor del London Film Festival en cine balcánico y de Europa del Este (1994-97), cofundador del fanzine Life is Nothing but a Belly Dance (1993-95) y periodista musical para varias revistas de Europa del Este.

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ALCIBÍADES: MUCHACHO EN LA ESCUELA - Antonio Rocco

 

Publicado de forma anónima y clandestina en la Venecia del siglo XVII, Alcibíades, muchacho en la escuela es un librito satírico que se regodea en el filo entre filosofía y erotismo prohibido. Tomando como pretexto el Simposio platónico, Rocco hace que el maestro Filótimo despliegue una retórica implacable para doblegar las resistencias del joven Alcibíades, exaltando con sorna el amor entre alumno y maestro como expresión natural del deseo. Lejos de ser solo un juego burlesco, el texto desliza un racionalismo libertino que erosiona con astucia los pilares de la moral cristiana, proponiendo que el placer consentido entre varones no es pecado, sino derecho innato. Condenado a la hoguera simbólica y perseguido por siglos, este opúsculo sigue siendo un referente ineludible en la historia de la homosexualidad y del disenso religioso, donde el diálogo maestro-alumno destapa con ironía las hipocresías de lo "intocable".

Antonio Rocco (1586–1653), voz más afilada y hereje del libertinismo veneciano, sabía jugar con fuego sin quemarse. Nacido en Scurcola Marsicana, forjado en Roma y Perugia, desembarcó en Padua y Venecia para enseñar filosofía y retórica a cientos de alumnos, abrazando un aristotelismo naturalista que lo llevó a desafiar a Galileo mientras escupía sobre la ortodoxia católica. ¿Clérigo? ¿Ateo disfrazado? Miembro de los Incogniti, Rocco firmaba con ironía textos que bailaban en el filo de la Inquisición, escapando por los pelos a la hoguera. Hoy, su Alcibíades revela al provocador maestro: un intelectual que, con sonrisa pícara, usaba la ficción erótica para dinamitar pilares éticos y religiosos, dejando que el lector se pregunte si la verdadera sodomía no reside en cuestionar lo intocable.

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FANTIANA di Eduardo Margaretto su IL PICCOLO

 

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“Todos quieren saber qué hacía en la cama”: el archivo inédito de Kerouac se expone en Nueva York - por Alexander Cheves (The Guardian)

Entre los grandes mitos literarios, el de Jack Kerouac suele reducirse a un mero estereotipo. La carretera, un cigarrillo, un rebelde de la posguerra apoyado en un coche destartalado: un arquetipo masculino de rebelión y hedonismo. El libro de Kerouac de 1957, En el camino (On the Road), fue la biblia de la generación Beat y narra, en una prosa sorprendentemente sin filtros, sus viajes por Estados Unidos con sus compañeros escritores Allen Ginsberg, William S. Burroughs y su musa de toda la vida, el apuesto Neal Cassady. El libro cambió el rumbo de la literatura estadounidense y capturó la imaginación de un mundo en rápida transformación. Kerouac fue coronado "rey de los beats", un apodo que más tarde despreciaría.

Esto, al menos, es lo que saben muchos estudiantes de literatura de EE. UU. Pero una nueva exposición, Running Through Heaven: Visions of Jack Kerouac en el Grolier Club de Nueva York, pretende rehumanizar el mito con cartas de Kerouac que nunca antes se habían visto públicamente.

Jacob Loewentheil, el coleccionista e historiador propietario de todos los artículos de la muestra y también su comisario, afirma que su colección comenzó con el ejemplar de Kerouac de la novela de Fiódor Dostoievski Los demonios, que estará expuesta. En una de las cubiertas interiores, Loewentheil encontró una nota escrita de puño y letra por Kerouac: “como si todos estuvieran corriendo por el cielo” (as if they were all running through heaven). Esto inspiró el título de la muestra.

En una “casa de subastas menor”, Loewentheil encontró más tarde cartas, correspondencia de los años de Kerouac en la Universidad de Columbia, la mayoría escritas a un amigo de su ciudad natal, Lowell, Massachusetts. La correspondencia capta a Kerouac “recién llegado a Nueva York y viendo cómo su mundo se ampliaba desde Lowell hacia esta enorme vida metropolitana”, dice Loewentheil en una videollamada. Las cartas describen “los libros que leía en la escuela y sus pensamientos sobre ellos”.

Loewentheil cree que muestran formas tempranas y experimentos de lo que se convertiría en la técnica de “prosa espontánea” característica de Kerouac. “La probaba con sus amigos”, afirma Loewentheil.

La exposición coincide con el nuevo libro de Loewentheil, que comparte el título de la muestra e incluye un prólogo de la estudiosa de los Beat y colaboradora de Kerouac, Ann Charters. En el libro, Loewentheil escribe que las cartas conectan “con un joven en medio de la formación de la visión y la voz que llegarían a definir a una generación”.

En las cartas, queda claro que Kerouac creía desde muy joven que sería famoso y que sus cartas serían leídas por futuros lectores. “Estaba muy seguro de que iba a ser un gran escritor”, dice Loewentheil. “Pero le preocupaba mucho cómo le verían todos y cómo le veía todo el mundo a su alrededor”.

La muestra plantea preguntas: ¿deberían las cartas personales considerarse parte de la obra literaria de Kerouac? ¿Deberían leerse en absoluto? Estos son temas a los que Loewentheil espera que invite la exposición: cómo deben ver los lectores estos documentos y otros textos que se entienden más claramente como escritos privados. “Tengo documentos que Kerouac llamaba 'notas para mí mismo' en la colección”, dice Loewentheil, describiéndolos como “flujo de conciencia”. Al menos uno está en la exposición.

La muestra también presenta objetos personales, que Loewentheil llama “reliquias”, que rompen la imagen del vagabundo de la carretera. “Kerouac pasaba la mayor parte del tiempo en casa”, dice Loewentheil. Su colección incluye pantalones informales y zapatillas de casa, aunque las zapatillas tuvieron que ser retiradas de la exposición por motivos de conservación. Se expone el cenicero de cristal de Kerouac, aún con restos de ceniza de cigarrillo, descrito en las notas de la exposición como algo que evoca a “Kerouac inclinado sobre una máquina de escribir, apagando cigarrillo tras cigarrillo en un aura humeante de creación”.

Hay un horario de trabajo manuscrito de abril de 1953 que registra las horas y la paga de Kerouac como guardafrenos, que la exposición enmarca como prueba de la “realidad de la clase trabajadora tras la mitología”. Este marco resulta veraz y resonante: Kerouac se crió en la clase trabajadora de Lowell y aceptó trabajos manuales ocasionales durante toda su vida. Incluso en el apogeo de su fama, dependía de anticipos e ingresos esporádicos. En la última parte de su vida, a medida que empeoraba su alcoholismo, la mayoría de los historiadores señalan que sus finanzas se volvieron cada vez más precarias, incluso cuando ya era un nombre conocido en todos los hogares.

Quizás el objeto más íntimo de la exposición sea la petaca de tabaco de Kerouac, el favorito de Loewentheil. Aún contiene hojas de tabaco de corte grueso y probablemente Kerouac la llevaba en el bolsillo. “Aprecio sus objetos personales”, dice Loewentheil. “Pero también me siento, a falta de una palabra mejor, un poco raro al poseer las cosas físicas y tangibles de otra persona”. Los manuscritos y los libros son una cosa, pero le resulta “extraño” sostener “una cuenta de un mala con la que Kerouac rezaba y no sentirse un poco invasivo”.

Esa sensación de voyeurismo es palpable en la muestra y en el libro. Es una línea delicada por la que caminar. Kerouac esperaba que sus cartas fueran analizadas, pero a los 18 años, escribiendo a un amigo, todavía está “expresando pensamientos privados”. Para abordar esto, Loewentheil eligió páginas que muestran “quién era Kerouac” sin ser “innecesariamente invasivo”.

Un ejemplo ligeramente decepcionante de ese enfoque: “No todos los visitantes necesitan leer sus descripciones gráficas de su sexo en la universidad”. Así que esas no se muestran.

Existen preocupaciones actuales. “Kerouac utiliza, a veces, un lenguaje bastante objetable” y “dice cosas que son difíciles de cuadrar con la sensibilidad moderna”, afirma Loewentheil. El libro señala el antisemitismo de Kerouac, que persistió incluso cuando entabló amistad con compañeros judíos como Ginsberg.

Luego, el tema favorito de todos: la sexualidad de Kerouac. Loewentheil se ríe: “Todos queremos saber qué hacía en la cama y quién estaba allí”. En el libro, escribe que “las pruebas de los propios diarios, textos y cartas de Kerouac... sugerían que estaba profundamente reprimido o que quizás era bisexual”. Aun así, el “deseo de categorizarlo es un error”, cree Loewentheil, y se resiste a la idea de que cualquier etiqueta pueda contener a Kerouac.

Aun así, sin duda significaría mucho para los lectores LGBTQ+ reivindicar un icono estadounidense, pero Loewentheil cree que incluso una figura tan extensamente confesional y automitificadora como Kerouac merece cierto misterio y privacidad, quizás particularmente en sus propias luchas y conflictos: “Por respeto a Kerouac, no creo que haya una categoría en la que podamos situarlo. Si él nunca estuvo seguro, ¿cómo podemos estarlo nosotros?”.

Quizás la mayor tensión en la vida de Kerouac es la que existe entre su educación católica y su estudio del budismo en la edad adulta. Esto también vive en la exposición. El rosario de Kerouac, que llevaba al cuello, se expone junto a sus cuentas mala, utilizadas en la meditación budista.

El momento de esta exposición resulta resonante, y un poco inquietante. En enero saltó la noticia de que el rollo de 37 metros de largo del primer borrador de En el camino saldrá a subasta. Cuando se puso a la venta por última vez en 2001, Carolyn Cassady —la ex esposa de Neal Cassady— denunció la subasta como una “blasfemia”, diciendo que el rollo pertenecía a una biblioteca, no a una colección privada. “A Jack le encantaban las bibliotecas públicas”, dijo entonces, y añadió: “Si lo subastan, cualquier rico podría comprarlo y mantenerlo fuera de la vista”.

Respecto a la próxima venta del rollo, Loewentheil afirma: “El rollo de En el camino no es solo un manuscrito; es un documento fundamental de la literatura estadounidense de posguerra. Espero que encuentre un hogar con un custodio que aprecie su importancia y permita que siga formando parte de la conversación pública continua en torno a Kerouac”.

La exposición presenta un argumento convincente para separar el estereotipo y el mito de un artista de su yo vivido, aunque Kerouac hace que esa separación sea complicada, y quizás finalmente imposible. Su obra cabalga en una línea que rompe géneros entre la no ficción y la ficción, lo que supone un reto para los historiadores a la hora de desentrañar la verdad del adorno. Su vida era la obra.

Pero el esfuerzo continuo por revelarlo saca a la luz cosas hermosas y, según espera Loewentheil, revive el interés por un icono del siglo XX cuya estrella posiblemente haya caído entre los lectores más jóvenes. A través de las cartas, Loewentheil cree que podemos suavizar la imagen popular del autor: a través de una lente moderna, es un ejemplo más apropiado de masculinidad no tóxica que un temerario vaquero de posguerra. Las cartas demuestran que era romántico y, en última instancia, conservador. “La gente tiene una idea ruda de Kerouac, pero ese estereotipo de macho no es tan preciso”, dice Loewentheil. “Tenía un corazón enorme y, en cierto nivel, era una persona demasiado amable y gentil para el mundo en el que se encontraba”.

LEE ORIGINAL:

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“Tutti vogliono sapere cosa facesse in camera da letto”: l’archivio inedito di Kerouac va in mostra a New York - di Alexander Cheves (The Guardian)

Mentre l’originale rotolo di Sulla strada sta per essere messo all’asta, una nuova mostra svela la vita privata della leggenda Beat.

Tra i grandi miti letterari, quello di Jack Kerouac è spesso ridotto a una mero cliché. La strada, una sigaretta, un ribelle del dopoguerra appoggiato a un'auto scassata: un archetipo maschile di ribellione ed edonismo. Il libro di Kerouac del 1957, Sulla strada (On the Road), fu la bibbia della Beat Generation e racconta, in una prosa sorprendentemente non filtrata, i suoi viaggi attraverso gli Stati Uniti con i colleghi scrittori Allen Ginsberg, William S. Burroughs e la sua musa di una vita, l'affascinante Neal Cassady. Il libro cambiò il corso della letteratura statunitense e catturò l'immaginazione di un mondo in rapida trasformazione. Kerouac fu incoronato "re dei beat", un soprannome che in seguito avrebbe disprezzato.

Questo, almeno, è ciò che molti studenti di letteratura americana sanno. Ma una nuova mostra, Running Through Heaven: Visions of Jack Kerouac al Grolier Club di New York, mira a riumanizzare il mito attraverso lettere di Kerouac che non sono mai state esposte pubblicamente prima d'ora.

Jacob Loewentheil, il collezionista e storico proprietario di tutti i pezzi in mostra nonché curatore della stessa, racconta che la sua collezione è iniziata con la copia personale di Kerouac del romanzo di Fëdor Dostoevskij I demoni, che sarà esposta. Sulla copertina interna, Loewentheil ha trovato una nota scritta a mano da Kerouac: “come se stessero tutti correndo attraverso il paradiso” (as if they were all running through heaven). Questa frase ha ispirato il titolo della mostra.

Presso una “casa d'aste minore”, Loewentheil ha in seguito trovato delle lettere, una corrispondenza risalente agli anni di Kerouac alla Columbia University, per lo più scritte a un amico d'infanzia a Lowell, nel Massachusetts. La corrispondenza coglie Kerouac “proprio mentre arriva a New York e vede il suo mondo espandersi da Lowell verso questa enorme vita metropolitana”, spiega Loewentheil in una videochiamata. Le lettere descrivono “i libri che leggeva a scuola e i suoi pensieri al riguardo”.

Loewentheil ritiene che esse mostrino le prime forme ed esperimenti di quella che sarebbe diventata la tecnica distintiva di Kerouac, la “prosa spontanea”. “La sperimentava con i suoi amici”, afferma Loewentheil.

La mostra coincide con il nuovo libro di Loewentheil, che porta lo stesso titolo dell'esposizione e include una prefazione della studiosa Beat e collaboratrice di Kerouac, Ann Charters. Nel libro, Loewentheil scrive che le lettere ci mettono in contatto “con un giovane nel bel mezzo della formazione della visione e della voce che avrebbero definito una generazione”.

Dalle lettere emerge chiaramente che Kerouac credeva fin da giovane che sarebbe diventato famoso e che i suoi scritti sarebbero stati letti dai posteri. “Era certissimo che sarebbe diventato un grande scrittore”, dice Loewentheil. “Ma era molto preoccupato di come tutti lo avrebbero visto e di come lo vedevano le persone intorno a lui”.

L'esposizione solleva interrogativi: le lettere personali dovrebbero essere considerate parte dell'opera letteraria di Kerouac? Dovrebbero essere lette? Questi sono temi che Loewentheil spera che la mostra solleciti: come i lettori dovrebbero interpretare questi documenti e altri testi più chiaramente intesi come scritti privati. “Nella collezione ho documenti che Kerouac chiamava note per me stesso”, dice Loewentheil, descrivendoli come “flusso di coscienza”. Almeno uno è presente in mostra.

L'esposizione presenta anche oggetti personali, che Loewentheil definisce “reliquie”, che incrinano l'immagine del vagabondo della strada. “Kerouac passava la maggior parte del tempo a casa”, spiega Loewentheil. La sua collezione include pantaloni casual e pantofole da casa, anche se le pantofole sono state escluse dalla mostra per ragioni di conservazione. In esposizione c'è il posacenere in vetro di Kerouac, ancora con resti di cenere di sigaretta, descritto nelle note della mostra come un elemento che evoca “Kerouac chino su una macchina da scrivere, che spegne una sigaretta dopo l'altra in un'aura fumosa di creazione”.

C'è un programma di lavoro scritto a mano dell'aprile 1953 che registra le ore e la paga di Kerouac come frenatore ferroviario, che la mostra inquadra come prova della “realtà della classe operaia dietro la mitologia”. Questa cornice appare autentica e significativa: Kerouac crebbe in una famiglia operaia a Lowell e svolse lavori manuali saltuari per tutta la vita. Anche all'apice della fama, dipendeva da anticipi e redditi sporadici. Nella parte finale della sua vita, con l'aggravarsi dell'alcolismo, la maggior parte degli storici nota che le sue finanze divennero sempre più precarie, nonostante fosse ormai un nome noto a tutti.

Forse l'oggetto più intimo in mostra è il sacchetto del tabacco di Kerouac, il preferito di Loewentheil. Contiene ancora foglie di tabacco grezzo e veniva probabilmente portato da Kerouac in tasca. “Faccio tesoro dei suoi oggetti personali”, dice Loewentheil. “Ma mi sento anche, in mancanza di una parola migliore, un po' strano a possedere le cose fisiche e tangibili di un'altra persona”. Manoscritti e libri sono una cosa, ma gli sembra “bizzarro” tenere in mano “un grano di un mala (rosario buddista) con cui Kerouac pregava e non sentirsi un po' invasivo”.

Quel senso di voyeurismo è palpabile sia nella mostra che nel libro. È un confine delicato. Kerouac si aspettava che le sue lettere venissero analizzate minuziosamente, ma a 18 anni, scrivendo a un amico, sta ancora “esprimendo pensieri privati”. Per ovviare a ciò, Loewentheil ha scelto pagine che mostrano “chi fosse Kerouac” senza essere “inutilmente invasive”.

Un esempio leggermente deludente di questo approccio: “Non tutti i visitatori hanno bisogno di leggere le sue descrizioni grafiche del sesso al college”. Quindi quelle non vengono mostrate.

Ci sono anche preoccupazioni legate alla sensibilità odierna. “Kerouac usa, a volte, un linguaggio decisamente discutibile” e “dice cose difficili da conciliare con la sensibilità moderna”, afferma Loewentheil. Il libro documenta l'antisemitismo di Kerouac, che persistette anche mentre stringeva amicizia con coetanei ebrei come Ginsberg. 

Poi, il tema preferito di tutti: la sessualità di Kerouac. Loewentheil ride: “Vogliamo tutti sapere cosa faceva in camera da letto e chi c'era con lui”. Nel libro scrive che “le prove tratte dai diari, dai testi e dalle lettere di Kerouac... suggeriscono che fosse profondamente represso o forse bisessuale. Ciononostante, Loewentheil ritiene che “il desiderio di categorizzarlo sia un errore” e si oppone all'idea che un'etichetta possa contenere Kerouac.

Allo stesso modo, significherebbe senza dubbio molto per i lettori LGBTQ+ poter rivendicare un'icona americana, ma Loewentheil crede che anche una figura così ampiamente confessionale e automitizzante come Kerouac meriti un po' di mistero e privacy, forse specialmente riguardo ai propri tormenti e conflitti: “Per rispetto verso Kerouac, non credo ci sia una categoria in cui inserirlo. Se non ne è mai stato sicuro lui, come possiamo esserlo noi?”.

Forse la tensione più grande nella vita di Kerouac è quella tra la sua educazione cattolica e lo studio del buddismo in età adulta. Anche questo vive nella mostra. Il rosario di Kerouac, indossato al collo, è esposto insieme ai suoi grani mala, usati nella meditazione buddista.

Il tempismo di questa mostra appare significativo, e un po' inquietante. A gennaio è emersa la notizia che il rotolo originale di 37 metri della prima stesura di Sulla strada sarà messo all'asta. Quando fu venduto l'ultima volta nel 2001, Carolyn Cassady — l'ex moglie di Neal Cassady — denunciò l'asta come una “bestemmia”, sostenendo che il rotolo appartenesse a una biblioteca e non a una collezione privata. “Jack amava le biblioteche pubbliche”, disse all'epoca, aggiungendo: “Se lo mettono all'asta, chiunque sia ricco potrebbe comprarlo e tenerlo nascosto”.

Riguardo alla prossima vendita del rotolo, Loewentheil afferma: “Il rotolo di Sulla strada non è solo un manoscritto; è un documento fondamentale della letteratura americana del dopoguerra. Spero che trovi una casa presso un custode che ne apprezzi l'importanza e che gli permetta di rimanere parte del dibattito pubblico continuo su Kerouac”.

La mostra sostiene in modo convincente la necessità di separare lo stereotipo e il mito di un artista dal suo io vissuto, sebbene Kerouac renda tale separazione difficile, e forse in ultima analisi impossibile. Il suo lavoro si muove su una linea che rompe i generi tra saggistica e narrativa, rendendo difficile per gli storici distinguere la verità dall'abbellimento. La sua vita era l'opera.

Ma lo sforzo continuo di svelarlo porta alla luce cose meravigliose e, spera Loewentheil, ravviva l'interesse per un'icona del XX secolo la cui stella è probabilmente sfumatatra i lettori più giovani. Dalle lettere, Loewentheil crede che si possa ammorbidire l'immagine popolare dell'autore: attraverso una lente moderna, egli è un esempio più calzante di mascolinità non tossica piuttosto che uno spericolato cowboy del dopoguerra. Le lettere dimostrano che era romantico e, in fondo, conservatore. “La gente ha un'idea rude di Kerouac, ma quell'atmosfera da macho non è così veritiera”, dice Loewentheil. “Aveva un cuore enorme” e, “in un certo senso, era una persona troppo gentile e buona per il mondo in cui si trovava”.

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IL GIORNALINO DI GIAN BURRASCA di Vamba su ITALIAOGGI - di Diego Gabutti

 

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LA FENOMENOLOGIA SEMIOTICA DELL’INISMO: Indagine e metodo per l’esegesi del romanzo inista - Francesca Passalacqua

Il presente volume si configura come un percorso esegetico e fenomenologico all’interno del complesso orizzonte dell’Inismo, movimento d’avanguardia fondato nel 1980 da Gabriel-Aldo Bertozzi, che sovverte le tradizionali tassonomie artistiche ed espressive per delineare un paradigma semiotico inedito, una poiesis del segno, capace di coniugare visibile e invisibile, letterale e allegorico, in una grammatica universale. Al centro dell’indagine si colloca il romanzo ini, forma letteraria proteiforme e polisemica che si fa traduzione dell’essenza poetica e filosofica dell’Inismo. L’opera propone un metodo interpretativo tripartito (livello narrativo, plastico-geometrico e alchemico-allegorico), ispirato al cosiddetto “imbuto bertozziano”, che influenza la struttura fenomenologica della stessa trattazione e che accompagna l’esegesi interpretativa. Partendo dall’analisi di alcune opere plastiche dell’Inismo, si comprende la natura infinitesimale, novatrice e internazionale del linguaggio ini, che si traduce in letterario nei romanzi inisti come Retour à Zanzibar, Arcanes du désir, Bertozzi. Novela, Mikela Le storie del segno quotidiano e Inisfera, dimostrando come l’Inismo incarni la ricerca dell’atto creativo puro, rivoluzionario e universale. Il risultato è un excursus critico che intreccia letteratura, arte, filosofia e semiotica, offrendo una lettura profonda della coscienza avanguardistica contemporanea che oltrepassa i confini del dicibile.

L’autrice, Francesca Passalacqua, esperta di semiotica, linguaggi, comparazioni letterarie e artistiche, è assessore alla cultura, al turismo e alle politiche giovanili di Montenerodomo, paese dell’hinterland abruzzese (CH) dove vive. È altresì guida museale e responsabile dei laboratori didattici presso il Museo archeologico di Iuvanum, sito sannita-romano.

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IL GIORNALINO DI GIAN BURRASCA - Vamba

VERSIONE ORIGINALE RIVISITATA IN ITALIANO CONTEMPORANEO

Il Giornalino di Gian Burrasca è la prova che un bambino di nove anni può essere più dirompente di un terremoto! Se siete stanchi di eroi di carta e di ragazzini da libro Cuore, aprite il diario di Giannino Stoppani (in arte “Gian Burrasca”), l'eroe che non chiedeva di esserlo, le cui avventure si trasformano in un susseguirsi di disastri combinati con la più candida delle intenzioni. Dimenticate la morale e preparatevi a ridere: ogni pagina è un manuale su come far saltare i nervi a maestri, parenti, e a qualsiasi figura adulto che ostenti ipocrisia e perbenismo. Con la sua logica disarmante e la sua innocenza distruttiva, Giannino annienta il conformismo; la sua penna è l'unica arma in grado di smascherare le falsità e i controsensi del mondo dei grandi. È un classico senza tempo che qui presentiamo riveduto in un italiano contemporaneo per i lettori di oggi, affinché le nuove generazioni possano finalmente godersi, senza inciampare in termini desueti. Preparatevi a ridere di gusto: dopotutto, l'unica cosa che gli adulti temono più di un terremoto è un bambino sincero.

Dietro la penna del monello più famoso d'Italia si nasconde Vamba (Luigi Bertelli, 1858-1915), l'intellettuale fiorentino che abbandonò il seminario per diventare un giornalista satirico. Vamba era convinto che la letteratura per ragazzi dovesse abbandonare il piagnucolio e il moralismo per abbracciare l'intelligenza e l'umorismo. L'autore non vedeva i bambini come angeli da plasmare, ma come forze anarchiche e vitali da liberare. Con Gian Burrasca, Vamba non solo creò un'opera esilarante, ma condusse una battaglia culturale e anti-autoritaria che lo pose in antitesi rispetto ai canoni dell'epoca, insegnando ai ragazzi a mettere in discussione le regole, celebrando l'irriverenza come la forma più pura di autenticità.

 

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Comunicato Stampa IL GIORNALINO DI GIAN BURRASCA di Vamba

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I VÀGERI - Lorenzo Viani

Dimenticate le favole morali e l'eleganza letteraria: l'opera narrativa di Lorenzo Viani, di cui I vàgeri è un esempio fulminante, è un pugno nello stomaco alla borghesia perbenista. Campione dell'espressionismo dialettale, Viani arma la sua prosa con il gergo viareggino e quello marinaro, un linguaggio crudo, irriverente e potentissimo che non chiede scusa a nessuno. Nelle sue pagine, vagabondi, malati e portuali sono sottratti alla pietà per essere elevati a figure mitiche: gli ultimi eroi, puri e indomiti, che con la loro vita randagia svelano l'ipocrisia di una società ossessionata dalle apparenze. Viani non descrive i volti, li deforma con l'irrequietezza di un'anima in tempesta e con un turbamento profondo, trasformando il disagio esistenziale in una violenta, tragica, bellezza letteraria che ancora oggi disturba e affascina. 

Lorenzo Viani (1882–1936) fu un ciclone intellettuale, pittore espressionista e scrittore che rifiutò ogni conformismo, definendosi un anarchico viscerale. Viareggino di nascita, dopo aver assimilato la lezione espressionista di Munch a Parigi, la sua arte, come la sua vita, rimase un atto di costante ribellione. Nonostante un'iniziale e controversa simpatia per il fascismo, abbandonata già intorno al 1931, Viani rimase ossessionato dalla autenticità degli ultimi. Tra le sue opere ricordiamo Parigi, diario dei suoi anni francesi, e Le chiavi nel pozzo, una straziante incursione nel manicomio di Magliano, testimoniando la sua costante empatia verso gli emarginati. Morì nel 1936, lasciando un'eredità artistica e letteraria caratterizzata dalla violenza espressiva e da una costante, disperata, ricerca di verità umana. 

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Comunicato Stampa I VÀGERI di Lorenzo Viani

 

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EL DOCTOR SAX ospite a COPERTINA, il podcast di Matteo B. Bianchi - STORIELIBERE.FM

 

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Il "SOGNO SOVIETICO": UN'UTOPIA NATA ORFANA DI BUONE STELLE introduzione al catalogo della mostra ORFANI IN UN VUOTO STELLATO - di Gabriele Nero

Dal punto di vista artistico e culturale, il Secolo Breve ha avuto un unico grande protagonista: l’American Dream. La cultura americana, anche grazie all’appropriazione di nuovi linguaggi come la fotografia, il cinema, l’arte astratta, si è autoeretta, non solo dal punto di vista economico e politico, ma anche dal punto di vista creativo, a despota del mondo. L’American Dream idealizzava la possibilità per chiunque di raggiungere il successo tramite il lavoro, un mito che mascherava profonde disuguaglianze economiche e sociali, perpetuando l’idea di una meritocrazia che ignorava privilegi di nascita e discriminazioni sistemiche, in cui il sogno serviva a legittimare lo status quo, spostando la responsabilità del fallimento dalla società all’individuo, con il risultato di far prosperare l’ideologia capitalista, colpevolizzando invece chi falliva.

Eppure il Novecento era iniziato sotto ben altri auspici. Nell’Europa prima della Grande Guerra erano nate le avanguardie storiche: Surrealismo, Futurismo, Simbolismo, Dadaismo, Espressionismo, tutte animate da uno spirito di rottura radicale con il passato, di sperimentazione e di ricerca di nuove soluzioni espressive. C’era un’energia anarchica e liberatoria, un desiderio di reinventare il linguaggio e l’arte in sintonia con il cambiamento dei tempi. Molti di questi artisti credevano nella necessità di ribaltare l’antica nomenclatura, e che la rivoluzione politica dovesse essere accompagnata da una rivoluzione estetica e culturale.

La Russia non fu da meno, e non fu un caso che negli stessi anni in cui Kandinskij stava rivoluzionando il mondo della pittura, Stravinskij stesse facendo la stessa cosa, stravolgendo quello della musica. Il Sogno Sovietico, nato prima della Rivoluzione d’Ottobre, negli anni successivi si consolidò e al contempo rivelò la propria intrinseca fragilità e la propria natura oppressiva. Dopo aver promesso un mondo nuovo, una società egualitaria e giusta, liberata dalle catene del passato imperialista, finì poi con sostituire lo Zar con Stalin. Gli scrittori di questa generazione, molti dei quali avevano accolto con entusiasmo la ventata rivoluzionaria, divennero testimoni e spesso vittime di un’utopia che nacque e si sviluppò sotto l’ombra del fallimento incombente. A differenza dell’American Dream, che con le sue contraddizioni si fondava su un’idea di progresso e di libertà, il Sogno Sovietico basò le proprie fondamenta su violenza, controllo e repressione. La collettivizzazione forzata, le purghe staliniane e la stretta morsa della censura sull’espressione artistica, trasformarono rapidamente l’utopia in distopia. Per molti intellettuali questo significò passare da un’iniziale euforia a una crescente disillusione, sfumando verso un silenzio eterno. Le biografie di Anna Achmàtova, Michail Bulgakov, Isaak Babel’, Sergej Esenin, Marina Cvetaeva e Vladimir Majakovskij hanno in comune questa tensione tra la necessità espressiva e la censura, tra la creatività e l’anonimato, tra la poesia e la morte. Questi scrittori, e altri meno noti o quasi dimenticati, vissero il dramma di un sogno tradito in partenza che si trasformò in incubo. Le loro vite e le loro opere sono la testimonianza di come l’imposizione di un’ideologia totalitaria abbia soffocato la creatività e la libertà individuale, portando alla distruzione di un’intera generazione di talenti. Infatti nell’Unione Sovietica l’unico scopo dell’arte era servire la causa del Partito, e il Realismo Socialista divenne l’unica estetica accettabile. Le sperimentazioni formali furono condannate come "formalismo borghese" e le voci indipendenti furono messe a tacere in vari modi.

In questo contesto si inserisce l’opera di recupero e reinterpretazione artistica fatta da Francesca Ricci e Kiril Bozhinov, nato da una esposizione e tradotta poi in saggio grafico in Orfani in un vuoto stellato (El Doctor Sax, 2025). In questo lavoro multidisciplinare emerge fin dalle prime tavole la perdita dell’innocenza di questa generazione di scrittori, orfani dello spirito rivoluzionario, sotto un cielo buio, che non promette nessun futuro, e senza stelle a indicare un cammino diverso. Un omaggio necessario e poetico a questi autori ingiustamente finiti nel dimenticatoio, ma che più di tanti altri lottarono per mantenere vivo il loro dissenso attraverso la poesia e la letteratura. Perché se le avanguardie di inizio secolo rappresentarono la promessa di una libertà artistica e di un rinnovamento radicale, non fu così per gli autori del primo ventennio dell’Unione Sovietica, che pur ereditando parte di quello slancio, si trovarono a operare in un contesto in cui quella libertà veniva sistematicamente negata. Il sogno di una società nuova si trasformò in una prigione per la poesia, che da veicolo di liberazione, divenne un atto di resistenza silenziosa o, nei peggiori dei casi, una vera e propria condanna a morte. Orfani in un vuoto stellato non è un semplice lavoro di riscoperta ma un progetto multidisciplinare che, attraverso il connubio di parole, immagini e suoni, vuole riaccendere questa volta celeste rimasta per troppo tempo oscurata dalle ideologie novecentesche.

Gabriele Nero

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LÍNEAS Y PUNTOS de Fernando Menéndez en LA NUEVA ESPAÑA - por Silverio Sánchez Corredera

 

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BOCCIONI: RIFLESSIONI DI UN'ARTISTA CONTEMOPORANEA di Kiki Franceschi su IL TIRRENO

 

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THE PHOTOGRAPHER de Mrbt62 en FATTI E & FABULAE - por Luca Greco

 

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THE PHOTOGRAPHER de Mrbt62 su FATTI E & FABULAE - di Luca Greco

 

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ARTE URBANO FURTIVO de The Photographer en DIGERIBLE - por Gerson Ruiz

 

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LÍNEAS Y PUNTOS de Fernando Menéndez en CULTURAMAS - por Scriptorium

 

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LETTRISM AND INISM - Gabriel-Aldo Bertozzi

 

Lettrism is an avant-garde artistic and literary movement that emerged in 1947 with the publication of Isidore Isou’s Introduction à une nouvelle poésie et à une nouvelle musique by Gallimard.
In the 1970s, Gabriel-Aldo Bertozzi joined the movement and actively participated in it. In 1980, he distanced himself from it and founded the International Novatrix Infinitesimal or INI or Inism at the Café de Flore in Paris.
The new movement quickly spread throughout Europe (particularly Spain and Italy) and the Americas (USA, Cuba, Mexico, Argentina, and Brazil). This work reproduces photographic testimonials and rare, unpublished documents; the text retraces the true history of Lettrism and Inism and the close relationship between Bertozzi and Isou.

Gabriel-Aldo Bertozzi, a writer-traveler, artist, novelist, poet, playwright, translator, and university professor, is also the founding father of Inism. He was honored in France with the Ordre des Palmes Académiques at the rank of Officier and received the Médaille d’Honneur de la Ville de Puteaux. He directs the “Rose des vents” series for the publishing house l’Harmattan in Paris and is the founder and co-director of 
In the 1970s, Gabriel-Aldo Bertozzi joined the movement and actively participated in it. In 1980, he distanced himself from it and founded the International Novatrix Infinitesimal or INI or Inism at the Café de Flore in Paris.

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LÍNEAS Y PUNTOS de Fernando Menéndez en LA NUEVA ESPAÑA - por Pablo Antuña

 

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